打楽器アンサンブルで学校公演🥁

先月より打楽器アンサンブルでの学校公演がスタート🥁！

今回からお世話になるグループは、ベテランの先輩方で構成されており、１０年ほどかけて学校公演のオリジナルプログラムを培ってきている。

完成されたルーティンの中に、初心者が混じるということで、気が気でない半月を過ごすことになった。

それにしても子供たちを楽しませるプログラムが素晴らしい！

一瞬も飽きさせない工夫がされている。

小太鼓を全員で叩いたり、マリンバ一台を動かしたり回転させたりしながら全員で演奏したり、子供たちを巻き込んで皆でボディパーカッション、コミカルなキャラクターの登場する曲に子供たち全員大爆笑など。。。

他にも簡単に口ずさめる曲ばかりなので、子供たちは一時間音楽にどっぷりと浸かる。

家に帰ってからも、話題に出るらしく、子供たちの音楽好きを増やす、とても素敵な企画になっている。

自分がもし小学生だったら、こんな打楽器グループが来たら音楽が、打楽器が大好きになるかもしれない!

僕にとっても勉強になる一時。

しかしその反面、僕にはウエイトが重い。。

当然全曲暗譜だし、現場の空気は現場で知るもの、一日3公演をこなしながら細かい段取りは覚えていく。

全てが完成されたパフォーマンスの中、自分だけが浮かないよう必死だし(どう考えても浮きまくり)、とにかく練習した。

不安が大きすぎるが故に、寝ずに練習したのは学生以来のことであった😵。他の公演との兼ね合いもあり、6月後半から7月頭までの半月はプレッシャーに打ち勝つので必死であった。

結果として非常に充実した、学びの多い日々であった。後々帯状疱疹になり、そりゃそうなるよね〜、といったところだろうか。。

それにしても、僕の入るパートのオリジナルメンバーがダンディな方で、紹介もダンディな〇〇といった切り出しなのだが、それがそのまま僕にも適応されました。残念なことに客観的に、僕はヒゲの濃いタダのオッサンにしか見えないのですよ。

これを期に、ダンディキャラを目指していこうかしら。そうね、目標はレオナルド・ディカプリオってことで。

吹奏楽でゲーム

先日行われた吹奏楽でゲーム音楽in熊谷。

EXCEEDさんにお世話になるのは今回が初めて、どんな演奏を要求されるか分からないので緊張モードでリハへ向かったが、噂通りの爆音要求でリラックス。

今回の問題点は、コロナ禍が始まった頃のディスタンスを維持しなければならなかったので(奏者同士が２ｍ以上だったか)、打楽器の一番後ろの台の、さらに後ろを作るほどで、指揮が豆粒に見えるくらい遠かったこと。

もう周りを聞きながら合わせるのは不可能だとなり、メンバーの方々と打ち合わせを綿密に行いつつ、挑むことに。

ゲネプロが始まると、相当細部まで聞こえてくる!タイムラグもないという事で、かなり楽しく演奏することが出来ました。

理由はおそらくホール(さくらめいと)の構造なのではないかという結論でして。

響きが絶妙だったので、客席で聞いても小太鼓やドラムス、大太鼓がしっかりとｐでも聞こえてくる。でもストレートでドライな感じでもない。

管楽器の細かいパッセージも明瞭で、個人的にはとても吹奏楽に適したホールだなという印象を持ちました。もちろん、人によって感想は違うとは思いますが😑。

そして作品はドラゴンクエスト＆ファイナルファンタジーということで、小中の時に死ぬほどプレイしたあの時の感動がよみがえる一日だった。

個人的には圧倒的ドラクエ派です。なぜなら中学の友人のパパが有名オーディオメーカーの技師をやっていて、家に行くと超絶な機材に溢れていてそこで聴かせて貰ったドラクエのサントラ(オケ版)が意識飛ぶくらいカッコよかったから。それだけの理由🧐

ゾーマ強すぎた記憶だけは思い出したくはなかったですが、やはり勇者の挑戦は名曲です。

FF７の曲では久々に本番で泡立て器を使用。

実は今回のお話を頂いてから、世界観を思いだす為に一作品だけ初期のドラクエをプレイしたんですが、レベルアップで挫折しました。。キツかった〜〜😵😵😵。。。

あんなにレベル上げ大変だったか？、、

腕が鈍ったか。。。

SAOオーケストラコンサート終演!

7/3、芸劇にてソードアート・オンラインの公演が催された。

直前まで危ぶまれていたものの、全員PCRを受けた上で無事開催。ステージ裏入場時のパスが特製マスクだったことはこの時期ならでは。

今回は非常に大掛かりなコンサートで、会場にある超特大のディスプレイからアニメーションを流して、それに合わせて合唱団付きのオーケストラが生音で音を入れていくというコンサートであった。

客席は半分の収容人数(ステージからみる限り、そうだと思う)。

とにかく、他の楽器の方々も絶対にそうだけど、アニメやゲーム作品の楽曲を演奏するのは大変な重労働になる。なぜなら、元々の楽曲がオーケストラのために書いてある訳ではないからだ。とんでもない分散和音のフレーズが鍵盤楽器に回ってきたり、ドラム系が気の遠くなるような速弾きフレーズを延々と何十小説も引き続けるとか。ティンパニも音替えのオンパレードで、全部投げ出していっそのこと帰りたくなるほど、とか?

それに一般的なクラシックの公演に比べて、途方も無い曲数になることも珍しくない。複数の作品のイベントにもなると、総曲数が100曲を超えることも(今回はたった「35曲」だったけど😵😵😵。。)。

なので、何より恐ろしいのが、その膨大な曲順を誤って、全然違う曲を弾き始めることなんじゃないだろうか。サスペンドシンバルのソロで始まると思って思いっきり鳴らしたら、静かなバラードの曲だった。みたいな?(完全にOUT)。

もうここは全集中の呼吸で乗り切るしかないので、とにかく書き込む。書き込みまくる。

それぞれの奏者の譜面には、描きなぐったような書き込みがビッシリ!

でもその努力の価値は十分にあって、聴衆は皆作品の大ファンなので、熱狂的なステージになる。

今回は僕も作品を見てからの現場入りだったし、感動も大きい。アニメ、ゲーム公演を行う時は日本人で良かったなーとさえ思う。

世界に羽ばたく作品の、記念すべき日に少しでも関われたことは、大変幸せなことですな。

今回、前半はコンガとかハイハットとかバババーンと演奏していたけど、後半はウインドチャイム責めでしたので、現場の大大大先輩方に「チャイマー」という称号を与えられました(イジられてる)。

ちなみに映像化されるかどうかわかりませんが(そんな話をどこかで聞いたような気もする)、後半は必要なくなったコンガもハイハットも撤去されまして、僕の前には何も楽器がない状態になっております。

でも安心してください。

ちゃんと仕事はさせて頂いておりますよ。

チャイマー曲淵

オケ中のドラムス

先月より、オケの音教やコンサート、収録等でドラムセット案件を何件か。

ドラムス自体は色々と学生時代から勉強を続けているんですが、個人的にオケ中のドラムスは特別でして。

オーケストラアレンジ(アコースティックアレンジ)なんかだと結構シンプルな譜面になることも多いので、技術的には中学生でも演奏できるほどのレベルにアレンジされる事もしばしば。

しかし侮ってはなりません。

一度オケ中に入るとトラウマは必至なのです。まず人数が多いですから、端っこの奏者同士は大変な距離があります。聴き合わなくては合わないとはよく言われますが、聴きすぎると発音が遅れたり、全体の音楽が重たくなってしまったり。。

本来はテンポキープや楽曲のニュアンスを生み出す大切な役割のドラムスが邪魔者になってしまうかもしれない。。!!!

そしてホールの残響問題。ホールというのは２秒程度の残響が残るため、細かい音を聞くのが楽ではありません。その際たるものがベースライン。ドラムスは音が大きいので、盛り上がるとベースは何も聞こえなくなることも。

基本は奏者の方々の腕の動きを注視しながら(上記の距離感の関係もあり、僕の元へ聞こえてくる音楽は超絶ズレてます、もちろんその逆も同じ)、これで合ってるはずやと自分に言い聞かせながらプレイ。

そして最後に、オケは弦楽器、管楽器、打楽器、鍵盤楽器(時には声楽)の総合競技みたいなもので、楽器ごとに音の発音や性質が全然ちがうので(だからこそ混ざりあった時の響きが格別に)、そんなに小回りがきかない。

そんな時に誰よりも小回りのきくドラムが煽ったり追い越したりすると(よくやっちゃう)、演奏の邪魔でしかなくなるんだよね。

そんな訳で、オケ中のドラムは超絶に難しいと僕は感じている。

それでも日本には素晴らしいオケ中ドラム奏者の方が沢山いるので日々勉強させてもらって(実際に、そして気軽に観にいけるのは本当に大切なこと)、自分の仕事に還元していきたいと思う。

とか言いながらも、先日はしょうもないミスして、一発リテイク生み出して落ち込んでいます。

「あんなに練習したのにな」はしてないのと一緒。

「個人練習の時はうまくいくのに合わせるとできない」は努力が足りない。

終わった時は戻ってこない。しっかり自分の歴史に刻み込んで、次のチャンスに生かす。これが凡人の地道な人生なり。

さて、今回の勉強中にふと見つけた「Sing Sing Sing」の東京公演から。

こういうトガッた演奏、好きです。

１９８０年ってことで、ドラムスはクルーパではないんですけどね🙂

楽譜って必要?

「楽譜が読めないので、音で覚えてきてもいいですか?」

これは先日レッスンの中で生徒が言ってきた言葉だ。彼は高校一年生で、入学したものの、初めて本格的な勉強を始めるので、楽譜がうまく読めない。もちろん、楽器は練習したらできるし、中学校では吹奏楽をやっていたので基本的な楽譜は読むことができる。

しかし、例えば小太鼓のソロ(練習)曲など少し複雑なリズム形式になると止まってしまうし、休符が多くなってくると手が固まってしまう(休符の扱いは楽器演奏の中で最も難しい技術...)。

最近は動画サイトでも簡単に音源を見つけることもできるし、動画で手元なんかを見ながらどう弾いているかを検証することもできる。

それに、個人的には音楽を楽しむだけなら、楽譜は読めなくてもいいか、読めても最低限だけでいいと思っている。例えば、ギターの弾き語りみたいに最低限のコードの知識があれば楽譜はなくても成立するかもしれないし、民族楽器に楽譜がない(口伝えで継承する)なんてのはザラだし。。楽譜はあくまで記号。理想の音楽を実現するための方法は他にも見つかるかもしれない。

ただ、音楽を生業としたいなら話は別だ。

なぜなら、少ない時間の中(ここは結構ミソ...)で情報を共有しながら、共演者と足並みを揃えていく必要があるからだ。その為には、同じ楽譜を眺める中で、自分が何を求められているか、出来るだけ早く、そして決然と判断しなくてはならないだろう。

特にこの決然さが、大きく現場に影響するように思う。その為には、技術だけじゃなく、最低限の音楽知識と、読解力を得るための幅広い努力が不可欠だ。

かくいう僕も、指導者の立場で言う責務を感じているわけで、実は現在進行系で勉強中。何故なら小さな頃から英才教育も受けていなければ、ピアノやソルフェージュを音大受験に向け本格的に始めたのだって高校半ばに入ってからだった。先生方に相当シゴかれたものの、音大に入学してからもエリート達の集団にはとても立ち向かえる筈はなく、永遠の劣等生だった。だからこそ未だに続ける必要がある。

ただ、今は劣等感はない。

僕は天才じゃないからこそ、やりたい事、やるべき事が一生分あるんで、劣等感を持つ時間がなくなったみたいだ。そして先輩方（ここでいう先輩って、年齢の話じゃなくて、リスペクトの問題。自分にないものを持っているかどうか、の方がよっぽど僕には重要）から学ぼうという気持ちが、日々の充実を作っている。

まだまだ足りない知識、足りない読解力、足りない判断力。足りない指導力。

本番の度に、レッスンの度に、一つ勉強をして小さな奇跡を起こせるか。。

僕にとっての生きがいがそこにある。

そうでした。僕が初めて打楽器を始めた中学校の入部届にでっかく「吹奏学」って書いて、笑われて先生に訂正させられました。

そんなやつが音楽を仕事にする。

人生ってわかりませんな。

ROCK TRAP

指導に行っている高校音楽科にて月末に行われる、中学生を対象にした学校PRの講習会にて、打楽器メンバーの上級生たちと打楽器アンサンブルを演奏する機会を頂いた。

というのは、このコロナ禍の中で中々管楽器や声楽など飛沫の危険のあるセクションに声掛けがしにくいといった事もあり、打楽器に白羽の矢が立ったというわけだ。

数分間の小さなパフォーマンスになるが、演奏会という演奏会が立ち消えになり、できたとしても無観客やほとんどいない公演が多い高校生の現状の中で、数分でも演奏してほしいという学校の配慮はとても素晴らしいと思うし、可能な限りの協力をしたい。そして、収束した際には他のセクションの演奏も思い切り聞きたいと願いつつ。。

昨年は結構フォーマルな楽曲に挑戦してもらったので、今回は少し飛び道具的な楽曲に挑戦してもらおうということで選んだのが、打楽器奏者はたいてい知っているボディパーカッションの名曲中の名曲！

「ROCK TRAP」

そして初のリハーサル。

以前学生全員で授業で取り上げてもらったりして、一同全体像は把握しているものの、パート決め＆方向性をあらためて決めるということで、音出し。

それにしても数年間一緒に勉強してきたが、学生の成長を感じる。リハーサル中も個々の主体性が出てきて、非常にスムーズ。

楽曲では「シ!」という無声音のシラブルを、あるパートが口で言わなければならないシーンがあるが、この状況下でやむなく変更せざるを得ないので、同じ音が出るポイントを探す必要がある。擦ったり叩いたりして本番までに見つけなくてはならない。

あとはジェスチャーを含めて一つ一つ決めて。

こういったライブパフォーマンス重視の楽曲は書かれている音符を正確に演奏するだけでは完成しない。過度な改変はもちろんご法度だが、譜面を適切に解釈した上で、身体全体を駆使して、聞いているお客さんが打楽器って楽しい！音楽って面白い！サイコー！って思ってもらえる伝え方をしなくてはならない。それは思っているよりも遥かに動きを大げさにやらないと伝わらなかったりするんだよね。。

「演奏家が盛り上がって、聴衆がさめてる、これは最悪なことだからね」

これは僕の恩師のよく仰っていたことだ。とりわけ「寸劇」が入りやすいライブパフォーマンスにとって、この言葉の辛辣さは大変沁みる。

もちろん僕も学生も完ぺきではないので、間違えた選択をしてしまうこともあるだろうし、我を忘れて調子に乗ってしまうこともあるだろう。

ただ、定期的に必ず、この言葉や聴衆目線を思い出したりイメージしたりして、アップグレードしていかなければならない。

さて、若い演奏家たちと共に、本番に向けてどんな充実したアイデアが飛び出るだろうか。

とりま楽しみで仕方がないなう、だ（無理しちゃって）😑。

演奏会を聴く。

先日は目黒パーシモンホールにて「クセナキスと日本」公演を聞きに。

打楽器奏者の加藤訓子氏のプロデュースによる、オールクセナキスプログラムの公演(その時点でヤバい😬)。

小ホールではソロと小編成(開演前はインスタレーション)、大ホールでは開演前のロビーパフォーマンスにて「OKHO」、オープニングは加藤氏の演奏による「ルボンa，b」と能楽師とのコラボ、そしてメインは総勢１８名の打楽器奏者による、「プレイアデス」全曲と、ホール全体を貸し切ったような大規模な公演だ。

聞いただけで目眩がするような内容であるが、どれも爆発的エネルギーがみなぎる、素晴らしい演奏であった。。

高橋アキ氏の演奏による「ピアノのための６つの歌(シャンソン)」は一見シンプルな和音で構成されているように見えつつも、特有の無理難題が散りばめられ、今後の創作内容を感じさせる、クセナキス最初期の作品の一つだ。そして、20年後に作曲された、まさにTheクセナキスといった対照的内容の「エヴリアリ」。音の雲に全身包み込まれるような音世界の中で、大地を揺るがすようなビートが印象的であった。初演当初は議論を巻き起こしたようだが。。。。

般若佳子氏(ヴィオラ)の「エンベリ」は超絶技巧がこれでもかという程に見せつけられ、その中で歌心や、細部の明瞭さに圧倒された。

終幕は邦楽アンサンブル(木村麻耶(箏)、LEO(箏)、本條秀慈郎(三絃)、長谷川将山(尺八))による「入陽」。

それぞれの研ぎ澄まされた音色が混ざり合い、さながらトランスミュージックのよう。そして(邦楽の知識がないのだが、、)超絶技巧の中で、アイコンタクトを取りながらアンサンブルをするライブパフォーマンスには聴衆も大きく惹き込まれていた。(この動画の公演より、一層ライブ的な演奏であった。。。!!!!)

つい最近僕も演奏している「OKHO」は、自分たちの解釈とは正反対の正確で堅実な演奏で、新しい世界が見えたし、加藤氏のルボンはオリジナリティと生命力に溢れた、他では見る事のできない演奏だった。

何より「プレイアデス」のバランスの行き届いたパフォーマンスにテンションは最高潮になってしまった。

ジクセン(鉄を調律して並べた、このクセナキス独自の楽器、冒頭参照)の響きも痛々しくない、とても澄んだもので、心地が良い程だった。

実はこのプレイアデス、僕も９月に全曲公演が予定されている。大変な難曲だが、今日の素晴らしい公演を聞き、少しばかり希望を持つことができた。CDやDVD、Youtubeでは到底持つことは出来なかっただろう。。。

やはり、演奏は全身で浴びないとね!

ちなみに、諸事情により、この日の前日はどうしても殆ど睡眠時間が取れず、いくら大好きなクセナキスとはいえ、、途中で力尽きる事が不可避か?と思い、午前中の定例レッスンの生徒さんを、起こし要因として無理矢理連れてくるという暴挙に及んだのだが、結局一切眠気の文字はないくらい楽しむことができた。Hさん、ごめん(いや、このお方も相当楽しんでいたので、良しとするか🤬🤬🤬ﾋﾄﾞｲ)

最高の演奏会が終わり、全身で聴いていたので、帰路にてどうにもできない程の眠気に倒れた事は言うまでも。。ナシ。。。。。😇

スティックって飛ぶよね。

　とある場所で毎月開催しているドラム教室の生徒たちの発表会を見返していて、とても素敵な１シーンに出会う。

生徒たちは個人レッスンを受けてきた成果を、半年毎にレッスン生とご両親の前で発表する。

みんな学校やクラブ活動等で、普段は一緒に行動を共にしているが、お互いがドラムを演奏する瞬間を見るのは半年に一度になるので、各々成長のアピールを全力で行う。

みんな仲良しで楽器が大好きで、本当によく練習してくるんだけど(結構なメンバーが自宅にドラムや電子ドラム、トレーニングパットを購入したし、中には触発されてお母さんやお父さんまで始めたりして😏)、ライバル意識はしっかりあるのか、発表会になるとピリっとした緊張感が生まれる。

そして、とある生徒の発表。

彼は非常にセンスが良くて、言ったことは直ぐに出来てしまうタイプだ。特にフットペダルの扱いに長けていて、ダブルなんかもお手のもの。しかもいつも穏やかでユーモアたっぷり、間違えるとニコニコしながら頭を抱えてドラムに突っ伏してしまったりするんだよね🙂

今回もレッスンの時から抜群のセンスで問題ないと思われていた。

そして本番。

何気ないパッセージを演奏する時にスティックがリム(フチ)に当たって床に落ちてしまった!

直ぐに拾い、演奏に戻るが彼の目つきは今まで見たことがないものであった。

僕はその悔しさとも憎らしさとも取れる目つきに感動した。

本気で音楽に向き合っている姿に。

彼は最後まで弾ききった後、コメントも返せず自分の出番を終えた。

子供の伸びしろってスゴイっていうけど、これは本気度の問題なのかもしれないと思う。大人になって、まさに僕がそうなんだけれど、自分はできなくても大丈夫とか、やってないんだから出来なくて当たり前とか、、何かしらに理由を付けては、やらない方向に持っていくのではないかと。

経験を武器に上手にこなしていくのと、妥協するのは違うなあと、あらためて身にしみた１シーンであった。。

自分の経験の一つになるのならば、思い切ってスティックをすっ飛ばすのも、アリか!?

全然関係ないけれど、本日午前中の業務を終え、長めの空き時間につき、一度自宅に戻ると、玄関にて小さな蛇の赤ちゃんに遭遇。蛇好きには嬉しい雨の日。

オコCDリリース!

以前投稿したレコーディングのCDがついにリリースされた!

【悪原至/悪原至×打楽器 II】

悪原至氏は音大時代の一つ上の先輩で、在学中から色々とお世話になってきた。大抵は僕が悪原氏に無茶振りをするという、酷い後輩なのだけど。。

曲淵も珍しい名字だけど、悪原も中々のインパクトだ😏。悪と付くけど、ここまで音楽に対して誠実な人に僕は今まで出会ったことがない。大学時代から誰よりも緻密に音楽に向き合っていた、誰もが認める努力家。

そして、その誠実さはこの作品の中にいっぱい詰まっている!!

僕が参加したのはクセナキスの「OKHO」。

ジャンベ３台の音同士が混ざり合い、聴衆の脳内でトランスする。大変な難曲だが、レコーディングの段階から本当に楽しくて、もっとやれそう!の連続だったのを覚えている。

いつかコロナが収束した際には、公演でもお披露目したいなあ。。

そして他の楽曲も本当に素晴らしい。

特に、バッハのヴァイオリンソナタをヴィブラフォンで演奏したトラックは必聴だ。

ヴィブラフォンという楽器は、ぶ厚い鉄板が振動して音がなる構造上、ペダリングが非常にシビアで、少しでも油断すると音が混ざってしまって音楽が台無しになってしまう。ましてやバッハなど、和声が入り組んでいる楽曲に取り組むのはかなり高い技術が要求されるはずだが。とりわけ「Presto」は鍵盤打楽器での演奏としては完璧な演奏...!!

僕もこんな風に弾けたらネー😇(練習あるのみ...)。

こちらの作品、レコード芸術の特選盤に選ばれたとのこと。ヴィブラフォンで弾くバッハ。気になった方は是非聴いてみて欲しい(ジャンベ三重奏も忘れずにネ😏)。

玉置浩二PREMIUM SYMPHONIC CONCERT 2021

一年の折り返しが近づいてきたので、今年の前半を少し振り返る中で―

昨年の年末は暇で自宅にいて、紅白歌合戦を見つつ掃除なんかをしていた。

その時ふと耳に入った「田園」。紅白に玉置浩二が出演しているという違和感と、オケ編曲を含めた演奏の素晴らしさにとっても感動をしたのを覚えている。

その頃、既に２月の公演のサポートは決まっていたので、このアレンジだったら楽しみだなあと思いつつ、オケリハーサルを迎えた。

編曲は山下康介氏。例の田園はもちろんのこと、他の楽曲も素晴らしいアレンジでボーカル合わせがより楽しみに!

キャパ4000人ということで、新型コロナの関係で当日まで開催が危ぶまれている中、なんとか公演当日を迎えることができた。

ボーカル合わせ。リハーサルから美しい歌声に公演への士気が上がっていく。

本番では、4000人が満席の中で、マスク着用はもちろん、会話かけ声禁止、検温、消毒、玉置氏自身のMCもなし、動きは入退場のみで、歌う時以外はマスク着用、オケも全員マスク着用、管楽器は演奏時のみマスクを外す等、徹底的な対策が取られた。

玉置氏が終曲を高らかに歌い上げて、4000人全員が一斉に総立ちになった。ここまでのエネルギーは中々経験することはない。

個人的に最も素晴らしいと感じたのは、(歌声が素晴らしいのもあるが)公演中観客が一人も声を上げたりせず、まるでクラシックの公演のように静かに聴いていたところだ。こんな状況だし、当たり前のことに思えるかもしれないが、これは中々できることではないし、長年培われた演者とファンの信頼関係の賜物とも言える。お客様を含めたあの日の全ての関係者が、いい公演を、いい状態で成功へ導こうとしていたと思う。

田園はサイコーだったし、夏の終わりのハーモニーは不朽の超名曲だけれど、僕のこの日のMVP(MVMか?)はJUNK LAND。

このアレンジ超絶カッコイイ。数年前の別公演のものだが、同じアレンジのものを見つけた。

僕は昔からの大ファンという訳ではないが(楽曲はカッコいいし、歌も素晴らしいので、好きではあったけど)、リハーサルの中で何度か玉置氏とオケのアンサンブルがうまくいかない場面で、その度に(マスク越しに)「すみません」とニコリと微笑む玉置氏にグッと来てしまった。終始、音楽好きが伝わり続ける、そんなリハ本番であった。

音楽を仕事にすると、色々な環境や状況で、うまくいく事ばかりではないし、対価が発生し、日々生活しなくてはならない以上、音楽をいつでも初心の時みたいに好きでい続ける事は中々難しいかもしれない。

でも、元々は自宅でただ音楽が好きで、ただ楽器が好きで、黙々と籠もっていた時期があるんだよね(と思う)。

僕はまだ若造だし、学生時代から変わらず音楽好きが進行中と自負してはいるものの、、、それでも初心をふと思い出させるような、そんな一時となった。

さて、今回の担当はシンバルまわり全般。

最後の「JUNK LAND」で、シンバルを打ち上げるのと、玉置氏がハイトーンを歌い上げるのと、観客が総立ちになるのがほぼ同時だったもんで、あの4000人は俺に対して立ったんじゃないか!?

と本気で思う。僕はそういう浅はかな人間です😏😏😏ｱﾎ-🐓。

打セクション写真をトリミング。

全員がステージ上で同じ特製マスク着用。

何十年経っても、これを見て、あの頃はなんだか大変だったなあ。と思い返すのでしょうね。

なんとか乗り切っていかなきゃね🥁🥁!

マリンバオーケストラレコーディング

本来であれば本日は参宮橋で公演予定であった。

Phonixマリンバオーケストラの定期。

会場のオリンピックセンターが閉館中で残念ながら今秋(冬かも)に延期になった。

練習は3月くらいから行ってきたし、何とか公演まで実現できるか?の想いも虚しく、一ヶ月前に中止が決まった。

ただその週間は、同プログラムからCDレコーディングが控えていたので、練習は無駄にはならない。

期間は4日。2日リハーサル＆2日の録音で計4曲を録った。

1曲を録るだけでも相当な体力勝負。今回も変わらず上野信一先生の監修の下、熱気に満ちた4日間となった。

今回はマリンバという楽器にとってかなりシビアな楽曲が多かったように思う。

まだ発売日が決まっていないので、詳細は控えるが、例えばバロック音楽の作品。マリンバは低音部中心に残響が非常に多いが、ロングトーンができない(単音)なので、弦楽みたいな細かなアーティキュレーションを付けるのがとても難しい。全体のバランスを聴きながら、マレット選びを入念に行わないと細かい音符が残響に埋もれてしまって、音楽として成立しなくなってしまう。

毛糸巻きか、綿巻きか?

軽いか重いか?

芯は硬いか柔らかいか?

また、叩くという奏法の都合上、音色を変えるのが難しく、転調しようが、テンポが変わろうが、拍節が変わろうが、同じニュアンスになりがちだ。

逆にゆったりしたコラールなんかだと、トレモロのコロコロやメロディの切れ目が大変気になってしまう。

マリンバ奏者というのは歴史が浅く、どうしてもオリジナル曲が少なかったり、あっても現代曲になってしまったりもあり、バロック音楽や、弦楽器の為に書かれた作品等を勉強材料に演奏することも多い。

今回はただの勉強(移植)という訳でなくて、奥定美和氏のアレンジで、マリンバの響きを最大限に活かした楽曲ばかりだったが、それでも最初の方は難航した。

響きが多すぎると細部まで聴き取れないし、マレットを固くすると木琴的な響きが多すぎて少々短絡的な印象を与えてしまうし。。

各々の奏者の経験もある程度は役に立つと言いたいところだが、結局は１から作っていく事になった。

エンジニアの方々とマイク位置など最大限微調整しながら、納得のいくテイクが出るまで永遠にカンヅメだ。

帰宅したらその場で意識を失うように寝てしまう。そんな日々の成果(リリース)を耳にする日はもう少し先の話。

今からドキドキではあるが、一生残る大切な録音にメンバー皆一つとなった。

また楽しみが一つ増えた!

８年前に発足したマリンバオーケストラの編成は今回からフレッシュなメンバーが増えて、段々年を取ってきたと感じる今日このごろ。。

それにしても皆本当に素晴らしいプレイヤー。

僕も頑張らなくちゃ💪💪💪!!!

ロールの練習(オケ中)②

さて、先日つぶやいたロールの練習の続き。

【２．音価分のストロークの数をあらゆる手順で練習する】

これは今回の状況の中で一番必要かもしれない。基本的にロールのストローク数を決めるのは、演奏に型を作りすぎてしまうし、柔軟でなくなってしまうので、(一定のテンポで進むマーチ、クラブミュージック等を除いて)あまり勧められないことだが、あらゆるとなると話は別だ。先生には本当にあらゆる手順で練習させられた。

例えば、

というフレーズがあったとする。

これを色々なテンポで異なる手順で練習する。

これをできるだけ多くのテンポで切り詰めていくことが重要なのです。そして更にコンビネーションを作ったりして。いずれも注目しなければならないのは極力同じ音色でロールを演奏できていること。

手順によって継ぎ目がバレないように、まるでマジシャンのように手順を組合わせていく練習をする。これが凄く難しいのですよね。あと手順を書き出す作業が超メンド○サイ🤫。

全ては明日のために。。

【３．環境設定(譜面台、コンサートマスター、指揮者の位置関係)】

これが効いてくるのは、あらゆる練習をこなして、あとは神に祈るだけ。と言う状況になってからだ(でも行動としてはまず始めに!)。まず自分の担当する楽器を指揮者に向けてセッティングする。そして譜面台を必ずその延長線上に配置するのだ。これ、意外と疎かになってしまう事が多い。

そして忘れてならないのがコンサートマスターとの関係だ。いつもバッチリ見ていなくても良いように、視界に自然に入るような場所にコンサートマスターを置くこと。実は音楽を作っているのが指揮者でも、現場を動かしている(束ねている)のはコンサートマスターだったりするもの。弓の動き(吹奏楽ならベルの。)、呼吸、アイコンタクト等、音楽の流れを中心で支えている。

打楽器セクションがその三角関係(表現は悪いけど😏)を維持していれば、メンバーは圧倒的に演奏がしやすくなり、全体にまとまりが出てくる。

　今回も本番中、数々のヒヤリポイントをなんとかこなしていく事になった。先生、ありがとう。。。

※誤解があってはいけないが、今書き連ねていった内容は、殆どが恩師の受け売りを解釈し直したものだ。残念ながら僕が生み出したノウハウではない。

これを呟いている僕はというと、、現代の日本の音楽シーンを牽引している大先輩方から、日々学ばせてもらっているイチ若造。毎回新しい発見の連続だ🙂。

一番重要なことは、歴史を繋いできた先輩方から学び、自分なりのメソッドを作っていくことなんだと思う。未来に向けてバトンを渡していけるように。

みなさんはロール、どんな練習をしているでしょうか?

僕の想像もつかない練習が沢山あると思う。

是非たくさんシェアさせて頂けたら嬉しく思います。

まーた、長くなってしまった。。。ではでは🚀

ロールの練習(オケ中)①

先日のオーケストラの本番の中で小太鼓を演奏したが、いつも浮上する問題。

ロールってムズかしくない。。?

というのは、ソロ曲や個人練習の際に奏するロールの事ではない。オーケストラや吹奏楽など大人数の中でのロールの演奏法である。

※ロールとは大賞を発表する時の、小太鼓特有のアレです。

大賞発表の時は、むしろ荒々しいロールがバッチリ合う気もするけれど、実はオーケストラの作品の中では、非常に繊細なロールを要求してくる作品がいくつも存在しているんですよ。

特にロールという技術は力が入ってしまうと、とたんに流れが止まってしまうので、本番の時に最も崩れやすい技術なのかもしれない。pp.なんかで小太鼓から始めなくてはいけないような時には絶望的になったりして😏。

そしてティンパニ、マリンバ等含む、ロール奏法では、音楽愛好家の誰もが経験したことがあると思う、“個人練の時はうまくいくのに、合奏だとできない!”も起きやすい。

というのは練習の時は、テンポや音量など、イメージで練習をしていくので、実際のリハーサルや本番の時の音楽の流れとは若干異なる。

さらに、同じ曲でも指揮者やグループのキャラクターによっても随分景色が違うから、練習の時の「こうに違いない」が思いがけない落とし穴になることも。

ストローク(連打)の数を決めたり、演奏法を決めすぎないのが、どうやら解決の糸口みたい。

これまで折角の練習がムダになった、、悲しい。そんな経験を数え切れないくらいしているんですﾄﾎﾎ。

そんな風にうまくいかない時には、恩師の福田隆先生のロール(楽器演奏)講義を思い出す。

【１．ロールを構成するストローク、一回分の滞空時間を極力延ばす】

【２．音価分のストロークの数をあらゆる手順で練習する】

【３．環境設定(譜面台、コンサートマスター、指揮者との位置関係)】

先生には、学生時代とにかく環境設定の事を多く言われた。そして手順を始めとするシステム的な演奏体系を徹底的に(本当の本当に徹底的に🤯🤯🤯。)指摘された。音楽的表現と演奏法の割合でいえば３:７くらいだったかもしれない(先生も、音楽は他で培え、僕はアカデミックな基礎訓練しか教えない、というような事をよく仰っていた)。当時は反発心もあり喧嘩もした世間知らずだったが、、今になって極限状態を救ってくれるのはいつも先生の教えだ(若気の至り、無念に散る。。。)。

あらためて上記3点を、分割して僕なりに研究していくことにする。今日は1番目。

【１．ロールを構成するストローク一発の滞空時間を極力延ばす】

小太鼓に限らず、ロールを練習しはじめの頃というのは、ロール=速い連打と思いがちで、音をつなげる為にできるだけ速く演奏しなくては、となってしまって、引っ掻き回してしまう。実はこれは遠回りで、一番の近道はゆっくり左右に分けて一つずつのロールの火種を作っていくところから始めることが大切。スーパーボールとまではいかないが、自然に減衰していくように脱力しなくてはならない。手首や腕に少しでも緊張が入ると直ぐに火種は消えてしまう。

そしてロールができる段階になったら、右、左、右、左と交互に演奏していくが、ここで重要なのは各手に切り替わる際に音が途切れないことだ。うまくお互いがお互いをカモフラージュするように。。。

右手が落ちる瞬間に左手を上げてしまうとカモフラージュに失敗だ。当然その逆も失敗。

次のロールのために腕を振り上げている時間が多ければ多いほど、カモフラージュ出来ていない時間は増える。

皮をバウンドしている作業が基本で、バウンドが終わってしまうので仕方なく手首を返して息継ぎするようなイメージ(これが非常に難しい)。

あまりいい写真とは言えないが💀、、上のように手首は常にリラックスすることで対空時間が増し、下のように手首を固めるとロールの対空時間が減る。

※あくまで個人的です。肘手動でロールを抜群に美しく演奏する方も沢山いらっしゃいますし、人それぞれ。大事なのは自分にあったフォームを見つけることですよね。自分の耳を信じて。時間は沢山かかるけれど。

僕は来年で楽器を初めて20年になるけど、今だに絶賛模索中。

長々とつぶやいたところで、大事なことは。。。

挑戦して失敗すること。コレ、一番の特効薬👺(結局それかい)

クォドリベット

先日、ある楽曲の日本初演の機会があった。

イタリアの現代音楽作曲家、ニッコロ・カスティリオーニの「クォドリベット」というピアノと管弦楽の作品だ。

恐らく知らない方がほとんどだと思う。僕も今回初めて耳にする楽曲となった。

クォドリベットとは、「異なる複数の旋律を同時に演奏する形態の楽曲」を意味する。まさにその名の通り、曲全体を通して異なる旋律がぶつかり合い、時には偶然的に共鳴しながら演奏されていく。

今回のソリスト(ピアノ)は高橋悠治氏。言わずとしれた現代音楽界のレジェンドだ。

82歳という年齢だが、オーケストラをバックに演奏するということで、リハーサルが始まる前からワクワクが止まらなかった。。

・Quodlibet/Niccolò Castiglioni

1楽章はオーケストラとピアノが全く別々の展開を行っていく。まるで環境音のように(カスティリオーニは自然を愛で、その経験をそのまま音に投影することも多かったらしい。。)、ある種無機的に絡んでくる管弦楽が少しずつ集まり、膨らんでいく。最終的に強烈なユニゾンで終わるクライマックスは圧巻だ。

2楽章は対称に、ピアノのみによる非常に繊細で静的な空間が形成される。

これをメロディと呼んで良いかどうかは、非常に悩ましいかもしれないが、１音１音が会場に染み込み、混ざっていく独特な音世界は、一度ハマるとやみつきになるのですよ。。。。ちなみに、本番中の高橋悠治氏のこの楽章は特に素晴らしく、音の透明感と、現代音楽のヴィルトゥオーゾとしての類まれなソルフェージュ力、和声感、百戦錬磨の中で築かれた間のとり方など、どれを取っても超一流だった。たった２分ほどの楽章に、高橋氏の歴史が全て詰まっていたとさえ思わせる程。息を呑む一時となった。

３楽章は個人的に最もクォドリベットという名にふさわしい楽章に感じた。

というのもスコアを眺めれば眺めるほど複雑で、同時並走するメロディの数も尋常でない。とても聖徳太子レベルじゃないと聞き分けられないんじゃないかな?という感じ(聖徳太子にはあったことないけど😏)。

当然、不協和音に不協和音を重ねることになるのだが、音のベールに包まれているような、心地よい世界観が広がるのが不思議だ。

　現代音楽はハッキリいって難解だ。この曲をお聞きいただいたとして、名の通った交響曲や協奏曲みたいに興奮したり、涙したり、共感したりすることはできないかもしれない。だが、聴き方によっては新しい発見や感動がある。

細かいことを抜きにして、シンプルに音(音素材)を全身に浴びるのは、現代音楽の特権だと僕は思っているので、今回はとてもいい経験になった!

高橋氏の音が、芸術劇場の天井に登り、ホロホロと客席に降り注いでいくのが今でも思い出される。魅力的な音は目に見える。やはり生音に叶うものはない。そんな風に思ってしまった。

なんて一丁前に語っているが、僕の出番はウインドチャイム。とても大事だが、さて何楽章のどこにいるでしょう?

いえいえ、数小節でも立派な仕事なのです(、と思い込みたい)。

これはきっと、打楽器奏者あるある🤐🤐🤐

バレンタインオンキョー①

気がつくと、年が明けて2ヶ月。

ブログを更新しなきゃ更新しなきゃ、と思いながら、１、２月は(非常事態宣言というに)意外と時間を要する案件に追われて、必死であった(言い訳)。面白かった事や、新たな気付きは、思い返しつつ、こちらにもひっそりと残していくとして。。

とはいえ、こういった事は最新のことから取り組んだほうが鮮度が高いので、先日の(でも先日かい😑😑😑)高校のバレンタインライブのことから。

「ギターを交えたポップスライブを公開講座としてやって頂けませんか?」

僕が非常勤で打楽器を教えている学校の科長先生から数ヶ月前に依頼があった。クラシックにどっぷり浸かった学生たちに、型にはまらず楽しく音楽を演奏することを伝えたいとのことだった。

確かにその学校は、クラシックの科は非常に充実していて、講師陣も錚々たる面々だし、学生もとても優秀だが、ポップス科というものは存在していない(もちろんクラシックを習いつつ、ポピュラー音楽での成功を夢見る学生は、多くはないがいる!)。

そういう僕も、メインのフィールドはクラシックなので、そういったアプローチになるかも、という前置きはした上で、以前現場でご一緒した素敵なお二人(ジャズギター＆ピアノ。学校、メンバー共にSNS等の許可を頂いていませんので念の為、非公開。機会があればまた🙂)を招くことに!

そして学校から頂いた、「好きなことやってください!任せます!」。

夕飯何にする?に対して、何でもいい!と言われて怒るのは冷え込み中の家庭のみである🤔。

メンバーにその件を伝えると選曲が出てくる出てくる。

そして決まったリストがこちら。

1.天体観測/BUMP OF CHICKEN

2.Ob-La-Di, Ob-La-Da/The Beatles

3.いのちの名前/久石譲

4.Tea for Two/Vincent  Youmans

5.Ett liv för mig(ピアノソロ)/The Real Group

6.Nocturne No.2/F.Chopin

7.To the Gods of Rhythm(ジャンベソロ)

/N.J.Zivkovic

〜Tacet〜

8.愛の挨拶/エルガー

9.鉄腕アトムのテーマ(ギターソロ)/高井 達雄

10.James/Pat Metheny

11.Lullabye/Billy Joel

12.春よ来い/松任谷由実

13.Spain/Chick Corea

Enc.Go the Distance/Alan Menken

【※高校生音楽科対象にした公開講座です。にしちゃ渋すぎないか。】

。。。。一貫性がなさすぎる。そしてアレンジは全て雰囲気を変えてイチから!という宣誓の下、苦悩の楽しき編曲期間へと突入するのであった。

パーカッションセッティングはこれで確定!

版権の都合上、先日のライブを公開できないのは悔やまれるが、苦悩の日々を少しずつ備忘録的に公開していくとしよう。

初回といってはなんですが、リストにはご存知の曲も多いかと思われます。まずはPiano soloとpercussion soloで選ばれた曲を紹介しましょう。(Trioじゃないのかよ!!)

・The Real Group/Ett liv för mig

この曲はスウェーデンのアカペラグループ「The Real Group」のメンバーAnders Edenrothが作曲したアカペラのバラード。実はあまり知名度がないように見えるこのグループ、アカペラグループとしては超一流のグループだ。僕は高校時代に始めて耳にして以来、すっかりハマってしまっていた時期がある。詳しくはない、が。

メンバーはたった5人しかいないのだが、いい意味で各々のキャラクターが立ち(全っ然声の性質が違うのですよ!)、とても5人とは思えないハーモニー。実は色々とメンバーが移り変わっていて、個人的には、よりクラシック色の強い初期のメンバーが好みなのだが、今のメンバーでのリズム感とハーモニーも捨てがたいのである。

まだ勉強したての僕に、優れたアンサンブルとは、音程や音色を機械的に合わせたり、縦の線を乱れず揃える事だけではないと教えてくれたグループの一つだ。

僕はこの作品がとても好きだったんだが、まさか演奏してくれるとは知らなかったので(本番までお互いのソロ曲は知らない)、ある意味、このグループをよく聞いていた高校時代に戻ったような気がして、嬉しい気持ちに。。。。。。

・To the Gods of Rhythm/N.J.Zivkovic

この曲は、我らが世界的打楽器奏者(勝手に我ら、とかいっちゃって、だって業界じゃ超有名人なのだもの)、Nebojsa Jovan Zivkovic氏の作品だ。使用するのはジャンベ一台と、声のみで、アフリカンリズムに乗せて、リズムにシンクロする形で発声をしていく。最終的には作曲者の出生地、セルビア正教会の歌を元にした聖歌が、リズムに合わせて朗々と歌われる。

僕はこの曲を何度もやっているけど、やる度に演奏がまるで違っていくのがとても楽しい。言葉とリンクしているからだろうか。１０年とか経つと、人間話し方や言葉の使い方も変わるもの。言葉のみならず、考え方さえもストレートに伝わる。そんな楽曲だ。

ちなみに今回は、お客様の中に４，５歳のお子様が２名いたが、よっぽど印象に残ったらしく、車の中でも、家に帰っても僕のマネをしていたらしい。みんな!打楽器を楽しむのはサイコーだが、行儀よくね😏。怒られるのは、いつも僕だ🤫🤫🤫。

それにしても、クラシカルな楽器演奏があまり変わっていかないのは、まだまだ僕のスティック(マレット)さばきが、言葉になりきれていないからなのか....😑?

という訳で、とてつもなく長い文章は敬遠されるというから、今日はここまで(もう手遅れ🕳️🕳️🕳️)!!!